日本画

岡倉天心と、彼が育てた画家たちの試みから話を始めたい。西洋の油絵が急速に流入した明治期、日本の伝統的な絵画は「旧派」として退けられかねない立場に置かれていた。天心はこれに抗い、東京美術学校や日本美術院を拠点に、水墨や大和絵の技法を受け継ぎながら、西洋画の写生法や空間表現を取り入れた新しい絵画を模索させた。日本画という呼称自体、洋画と区別するために生まれた言葉であり、それはこの運動が最初から「対比のなかで自己を定義する」宿命を負っていたことを示している。

技法の面では、岩絵具や墨、絹本や和紙といった伝統的な画材を用いながらも、陰影や遠近法、色彩の重なりを工夫し、平面的だった旧来の絵画に奥行きと質感を持ち込んだ点が革新だった。下村観山や今村紫紅は朦朧体と呼ばれる、輪郭線を弱めて空気感を出す表現を試み、批評家からは「輪郭のない絵」と揶揄されながらも、次第に新しい日本画の可能性として認められていった。上村松園は美人画の伝統を引き継ぎつつ、女性の内面をより繊細に描き出し、その息子である上村松篁は花鳥画に独自の写実を加えた。

この運動が特異なのは、百年以上にわたって途切れずに続き、その都度時代の課題を引き受け直してきた点にある。戦後には中村岳陵のように新しい主題や構図を試みる画家が現れ、近年では三瀬夏之介や不動立山、中村ケンゴといった作家たちが、伝統素材を用いながら現代的な視覚感覚や社会的な題材を扱っている。パンリアル美術協会のような戦後の抽象的な試みも、日本画という枠組みの内側での実験だった。

展示室で見るときは、絵具の粒子が光を受けてきらめく質感や、余白の使い方に注目してほしい。西洋画の油彩とは異なる、乾いた発色と重なりの美しさこそが、この運動が守り続けてきたものである。