浮世絵

浮世絵は、江戸時代の都市に生まれた版画と肉筆画の様式である。「浮世」とは当世、いま生きているこの世という意味で、その名のとおり、遠い理想や宗教的主題ではなく、同時代の人々が実際に楽しんでいたものを描いた。芝居小屋の人気役者、遊里の女性たち、旅の途中で見る名所、相撲、幽霊話。それまでの絵画が寺社や大名のためのものだったことを思えば、主題の選び方そのものが新しかった。十七世紀後半に菱川師宣が版本の挿絵から一枚摺りの絵を独立させたことが、様式の成立としてしばしば語られる。

浮世絵を支えたのは、絵師・彫師・摺師という分業の仕組みである。絵師が下絵を描き、彫師が版木を彫り、摺師が色を重ねて摺る。版元がこの工程を束ね、資金を出し、何を売るかを決めた。つまり浮世絵は個人の芸術である以前に、都市の出版業が生んだ商品だった。多色摺りの技術は十八世紀後半に確立し、鈴木春信らの手による華やかな多色摺り版画は錦絵と呼ばれた。一枚絵は庶民が手を出せる価格で流通し、絵を所有するという習慣がここで初めて広く成立している。

代表的な作り手として、美人画の鈴木春信や喜多川歌麿、役者絵の東洲斎写楽、風景版画の葛飾北斎と歌川広重が挙げられる。北斎の《富嶽三十六景》や広重の《東海道五十三次》は、名所絵という既存の枠を使いながら、画面構成の大胆さで風景画そのものを更新した。写楽が一年に満たない期間だけ活動して姿を消したように、作り手の側にも都市の出版が生んだ短い流行の跡が残っている。

十九世紀後半、日本の開港とともに浮世絵は大量に西欧へ渡り、印象派やポスト印象派の画家たちに衝撃を与えた。輪郭線の明快さ、大胆な余白、俯瞰や極端な近景といった構図は、遠近法に慣れた目には新鮮に映った。ジャポニスムと呼ばれるこの影響は、モネやゴッホの画面に具体的な痕跡を残している。いま浮世絵を見るときは、一枚の絵の巧みさと同時に、それが刷り物として何百枚も世に出た「複製の芸術」であったことを思い出すと、その軽やかさの意味がよく分かる。